EN ESTA ENTRADA APARECEN  LAS  NOTICIAS DE ARTE. Se exponen  desde las más recientes a las más antiguas. Al final se expone lo referente a la Evau de Historia del Arte.En otras entradas iniciales de este blog se exponen noticias acerca de Geografía e Historia.

!NOVEDAD!: EL AUTOR DE ESTE BLOG HA PUBLICADO una NOVELA DE AVENTURAS E HISTORIA:

LA VIDA COMO VISIGODO, por Juan Antonio Muñoz Sebastián.Está disponible la 3ª edición mejorada, y con cambio de portada

En sus 223  páginas, unos jóvenes y un matrimonio se trasladan desde la actualidad  al impresionante mundo visigodo. AVENTURAS, EMOCIÓN, RIESGOS…todo trabajado con la bibliografía más actual, que rompe con muchos tópicos que aparecen en muchos libros . DE FÁCIL LECTURA, por ahora  se puede adquirir en Amazón versión física o digital.

 

===============

ARTE

===============

EXPOSICIÓN ARTE Y NATURALEZA. CAIXAFORUM MADRID. Paseo del Prado 36

  19 FEBRERO HASTA 9 DE JUNIO DE 2024 (gratuito para clientes Caixabank)

La exposición propone un recorrido por el arte del siglo XX e inicios del XXI a través de un fructífero diálogo entre distintos lenguajes creativos en torno al arte y a la naturaleza. En esta época, en la que, bajo el yugo de múltiples crisis —climática, ecológica y territorial—, la naturaleza, tal y como la conocemos, está en peligro de desaparecer, se impone la necesidad de reconsiderar nuestros vínculos con el mundo que nos rodea y del cual dependemos.

La muestra presenta unas ochenta piezas de la colección del Centre d’Art Georges Pompidou, con una importante presencia de artistas de las últimas décadas que han aportado nuevos puntos de vista comprometidos. Pintura, escultura, fotografía, diseño y arquitectura en un recorrido transversal, estructurado en cuatro secciones temáticas: metamorfosis, mimetismo, creación y amenaza.

Incluye obras de Picasso, Dalí, Kandinsky, Le Corbusier, Haussman,  Georgia O`Keefe, A.Giacometti, Dubuffet, Paul Klee, Alvar Aalto, Giusppe Penone y muchos más

EXPOSICIÓN ANTONI TÁPIES. La práctica del arte. MUSEO REINA SOFÍA. Del 21 Febrero hasta 24 de junio de 2024

Según propia confesión, su vocación artística despertó con un número de Navidad de la revista D’Ací i d’Allà de 1934, que presentaba un extenso panorama del arte moderno internacional.5​ Uno de los hechos que marcaron su vida fue su convalecencia por tisis a los 18 años, circunstancia que le hizo replantearse el sentido de su vida, así como su vocación, ya que durante su recuperación se dedicó intensamente al dibujo. Los estados febriles que padeció le provocaron frecuentes alucinaciones que serían primordiales para el desarrollo de su obra. Durante su estancia en el sanatorio de Puig d’Olena (1942-1943) se refugió en la música (Wagner) y la literatura.

Las primeras obras de Tàpies se enmarcaron dentro del surrealismo, pero a partir de aquel alejamiento cambió de estilo, convirtiéndose en uno de los principales exponentes del informalismo. Representante de la llamada “pintura matérica”, Tàpies utilizaba para sus obras materiales que no están considerados como artísticos, sino más bien de reciclaje o de desecho, como pueden ser cuerdas, papel o polvo de mármol.

Tàpies fue autor también de escenografías) e ilustraciones para libros, se dedicó igualmente al cartelismo, realizando en 1984 una exposición con su principal obra cartelística, así como a la producción gráfica: grabados, litografías, serigrafías.​ En el año 2002 realizó el cartel para las fiestas de la Mercè de Barcelona.

Como teórico del arte, Tàpies publicó artículos, la mayoría recopilados en los libros La práctica del arte (1970), El arte contra la estética (1974), La realidad como arte (1982) y Por un arte moderno y progresista (1985), así como la autobiografía Memoria personal (1977). En sus obras atacó tanto el arte tradicional como la extrema vanguardia del arte conceptual.

Las obras más características de Tàpies son las que aplica su mixtura de diversos materiales en composiciones que adquieren la consistencia de muros o paredes, a las que añade distintos elementos distintivos a través de signos que enfatizan el carácter comunicativo de la obra, semejando el arte popular del grafiti.​ Esta consistencia de muro siempre ha atraído a Tàpies, al cual además le gustaba relacionar su estilo con la etimología de su propio apellido.

El uso de colores oscuros lo explica él mismo: “Si he llegado a hacer cuadros sólo con gris, es en parte por la reacción que tuve frente al colorismo que caracterizaba el arte de la generación anterior a la mía, una pintura en la que se utilizaban mucho los colores primarios. El hecho de estar rodeado continuamente por el impacto de la publicidad y las señalizaciones características de nuestra sociedad también me llevó a buscar un color más interiorizado, lo que podría definirse como la penumbra, la luz de los sueños y de nuestro mundo interior. El color marrón se relaciona con una filosofía muy ligada al franciscanismo, con el hábito de los frailes franciscanos. Hay una tendencia a buscar lo que dicen los colores alegres: el rojo, el amarillo; pero en cambio para mí, los colores grises y marrones son más interiores, están más relacionados con el mundo filosófico”

Asimismo, tiene una primordial significación en la obra de Tàpies el carácter iconográfico que añade a sus realizaciones a través de distintos signos como cruces, lunas, asteriscos, letras, números, figuras geométricas, etc.​ Para Tàpies estos elementos tienen una significación alegórica relativa al mundo interior del artista, evocando temas tan trascendentales como la vida y la muerte, o como la soledad, la incomunicación o la sexualidad. Cada figura puede tener un significado concreto: en cuanto a las letras, A y T son por las iniciales de su nombre o por Antoni y Teresa (su mujer); la X como misterio, incógnita, o como forma de tachar algo; la M la muerte, la cruz para Tàpies es el enigma. Había dicho que su obra, si servía para algo, era para meditar, para pensar en nuestra vida. La cruz marca el espacio y marca el tiempo.

EXPOSICIÓN PICASSO 1906. La gran transformación  MUSEO REINA SOFÍA . Del 15 de noviembre 2023 hasta  el 4 Marzo de 2024.

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.

Para conocer los antecedentes de ese año 1906, podemos remontarnos hasta abril de 1904, Picasso se instaló en París en el barrio de Montmartre, en un taller que su amigo el escultor Paco Durrio estaba por dejar. Allí reanudó su contacto con varios artistas españoles que también vivían en el Bateau-Lavoir, especialmente con Ricardo Canals, quien en septiembre del mismo año le enseñó la técnica del aguafuerte. En agosto de 1904 Picasso conoció a su primera compañera sentimental: Fernande Olivier, modelo de artistas, y se convirtió en su fuente de inspiración hasta 1910, aunque su relación no acabaría definitivamente hasta 1912.57​

En octubre de 1904 Picasso conoció al poeta francés André Salmon, y también a Guillaume Apollinaire, poeta y escritor precursor del surrealismo, con los que estableció una relación muy cercana. Picasso se convirtió en un asiduo del cabaret Lapin Agile (el «Conejo ágil») y del Cirque Medrano. Desde que se instaló en Montmartre, la paleta y los temas de Picasso empezaron a cambiar; la pobreza y dureza de la vida de los artistas de circo y saltimbanquis aportaron un nuevo lirismo a sus cuadros en el paso de la época azul a la denominada época rosa. La época rosa se distingue por sus colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas; con un especial énfasis sobre la línea y el dibujo, más que sobre el color, continuó trabajando las figuras con proporciones alargadas que recuerdan su admiración por el Greco .

En 1906, después de tres meses trabajando en el Retrato de Gertrude Stein,73​ lo abandonó temporalmente, y realizó los primeros bocetos de Las señoritas de Aviñón. Abandonó el tema de los arlequines por los jinetes y jóvenes en paisajes bucólicos,  en una búsqueda de clasicismo tanto temático como formal, que condujo a Picasso al estudio del arte antiguo; en marzo descubrió el arte primitivo español en una exposición en el Louvre de esculturas ibéricas encontradas en Osuna y en el Cerro de los Santos, entre las que se encontraba la Dama de Elche.  Durante el verano visitó Gósol, en Lérida, donde entró de nuevo en contacto con el primitivismo esencial de la cultura popular, y pintó escenas de baños y desnudos vistos desde un exquisito dominio del rojo; esta paleta rojiza de Gósol refleja una preocupación por el modelado de los volúmenes, y un retorno a las raíces de un mediterráneo arcaico.​ Esto le inspiró una serie de cuadros con personajes que rescatan ciertas características de ese primitivismo, rompiendo con su estilo anterior.

Aunque la simplificación de rasgos y volúmenes son rasgos precursores del cubismo, esta fue una etapa con entidad propia, que no puede incluirse en ningún estilo reconocido. Podemos observar en estos cuadros sus propios rasgos faciales incluso entre las figuras femeninas, lo que puede apreciarse comparándolos con los autorretratos de esta serie.​ Esta estancia tuvo un impacto importante en la obra de Picasso, pues las pinturas de Gósol marcaron el comienzo de su revolución cubista el año siguiente.

El artista fue capaz de crear fisonomías genéricas y conducirlas a la cualidad de un sintético ideograma. Redefinió el entramado entre fondo y figura y un nuevo modo de ver en planos.

EXPOSICIÓN ISABEL QUINTANILLA (1938 – 2017)  MUSEO TYSSEN MADRID  . Del 27 DE Febrero al 2 de Junio 2024          

Isabel Quintanilla fue una artista visual española perteneciente al nuevo realismo español, en concreto a un grupo conocido como los Realistas madrileños.​ La mayoría de sus pinturas son bodegones, que describen vistas y objetos sencillos de la vida cotidiana.​ Quintanilla realizó también varios paisajes al óleo. En su obra de los años sesenta y setenta hay algo radical, un rigor sin concesiones. Un vaso de duralex en un alféizar o un trozo de muro dibujados o pintados por ella tienen una serenidad y una verdad que no se puede olvidar. Como persona, Maribel era una mujer llena de energía, de luz

ANTERIORES EXPOSICIONES  Y NOTICIAS:

 EXPOSICIÓN DE MONET

CentroCentro  en el Palacio de Cibeles (antiguo Palacio de Comunicaciones) recoge más de cincuenta obras maestras del padre del impresionismo procedentes del Musée Marmottan Monet de París. Una oportunidad única. Así es la gran exposición antológica dedicada al padre del Impresionismo, Claude Monet, que acaba de inaugurar CentroCentro de Madrid

La exposición, organizada por CentroCentro y Arthemisia en colaboración con el Musée Marmottan Monet de París, se puede visitar del 21 de septiembre de 2023 al 25 de febrero de 2024.

Esta exposición dedicada al padre del impresionismo, Claude Monet, reúne más de 50 obras maestras procedentes del Musée Marmottan Monet de París. Explica toda la trayectoria artística del maestro leída a través de las piezas a las que más apego tenía el propio pintor, las «suyas», las que conservó celosamente hasta la muerte en su casa de Giverny, y de las que nunca quiso separarse, entre ellas los celebérrimos y emblemáticos Nenúfares.

El Musée Marmottan Monet alberga el más importante y nutrido conjunto de obras del artista francés, fruto de la donación que realizó su hijo Michel en 1966. Para esta exposición, el museo ha prestado obras tan excepcionales como Retrato de Michel Monet con gorro de pompón (1880), El tren en la nieve. La locomotora (1875) o Londres. El Parlamento. Reflejos en el Támesis (1905), junto con cuadros de gran formato como sus cautivadores Nenúfares (1917-1920) y sus evanescentes Glicinas (1919-1920).

Claude-Oscar Monet (París, 14 de noviembre de 1840 – Giverny, 5 de diciembre de 1926) es considerado uno de los fundadores del Impresionismo francés, hasta el punto de que el propio nombre del movimiento artístico está vinculado a una de sus obras, Impresión, sol naciente (1872). Dentro del movimiento, es sin duda el exponente más consistente y prolífico. La filosofía de la pintura de Monet, que se puede apreciar en sus famosas series, es la de retratar la naturaleza tal como es, siempre cambiante; de modo que incluso tomar el mismo argumento una y otra vez no significa reproducir el mismo cuadro. El viento y las sombras devuelven a los ojos del artista un tema siempre cambiante.

EXPOSICIÓN :PICASSO.Lo sagrado y lo profano. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza se une a la celebración del cincuenta aniversario del fallecimiento de Pablo Picasso con una exposición especial que tiene lugar del 4 de octubre de 2023 al 14 de enero de 2024 con obras del artista y una selección de pinturas de maestros antiguos de la colección del museo. Una exposición que muestra el modo en que el artista abordo los principales temas y géneros del arte tradicional europeo: la historia, la religión, los mitos, el retrato y el bodegón.

Una representación del espíritu con el que Picasso se enfrentó al arte del pasado y lo transformó en un arte personal traumático y existencial, así como vitalista y esperanzador. Comisariada por Paloma Alarcó, esta muestra revela aspectos de la identidad moderna y nuevas formas de interpretar la historia de la pintura a través de las certezas que caracterizan el mundo contemporáneo.

Las ocho obras de Picasso pertenecientes al museo, y varios préstamos del Musee National Picasso-Paris y de otras instituciones y coleccionistas, se exponen junto a una selección de pinturas de maestros antiguos para mostrar el modo en que el artista abordó los principales temas y géneros del arte tradicional europeo: la historia, la religión, los mitos, el retrato y el bodegón, organizados en tres apartados: lo sagrado y lo profano, identidades y lo visual y lo tangible.

FUNDACIÓN MAPFRE. LOS VERANOS DE SOROLLA.

     La Fundación Mapfre se une a la celebración del centenario del fallecimiento del pintor valenciano Joaquín Sorolla con esta exposición en su sala Recoletos en la que se puede recorrer la trayectoria del artista siguiendo uno de sus temas predilectos: las escenas de playa. La muestra se podrá visitar desde el 22 de septiembre hasta el 7 de enero.

Los veranos de Sorolla se compone de una cuidada selección de 40 obras, la mitad de ellas de pequeño formato, en las que abundan tanto escenas de la costa mediterránea, en las que predomina el aspecto lúdico del disfrute del mar, como en las ambientadas en la costa cantábrica, que transmiten el ambiente de los veraneantes de las clases altas de San Sebastián, Zarauz y Biarritz.

Las pinturas dedicadas a la actividad en la playa son, probablemente, la parte más conocida de la obra de Joaquín Sorolla. Realizadas siempre al natural (para el pintor, el verano suponía en realidad el periodo de más actividad), serán estas obras las que gocen de más éxito en sus exposiciones nacionales e internacionales.

Aunque sus primeras escenas se centran en las faenas del trabajo en la costa, destacando la condición del mar como medio de vida, son sus representaciones del descanso estival en la playa con las que más estrechamente se asocia su obra. Estas pinturas ofrecen un interesante trasunto de la evolución que experimentó el entorno del mar en relación con las propiedades terapéuticas del baño y el nacimiento del veraneo como periodo de ocio y sociabilidad.

 

NOVEDADES DE LA GIOCONDA

Llevamos siglos intentando descifrar La Gioconda. Nunca deja de sorprendernos, y afortunadamente de recibir nuevos estudios que enriquecen su aprecio. Es un retrato que sonríe misteriosamente, cuyo enigma no ha sido resuelto. Algunos neurocientíficos sometieron al cuadro a un análisis mediante programas de reconocimiento emocional, y concluyeron que La Gioconda muestra felicidad en un 83 %, que sobrepone o supera lo detectado en 9 % de disgusto, 6 % de temor y 2 % de enfado.

Tras observarlo durante horas, la sonrisa no es perceptible con nuestra visión central, que detecta los rasgos de unos labios contraídos, sin la curvatura típica de la alegría. La sonrisa emite frecuencias bajas y solo se capta mediante la visión periférica, con el rabillo del ojo, es decir a distancia (según José T.Boyano). Leonardo pintó esa sonrisa con suaves pinceladas utilizando una técnica nueva, el sfumato . Aplicaba capas finísimas de pigmento, muy diluido. Estas capas van superponiendo tonos translúcidos, construyendo una expresión sutil. Da Vinci describió la gradación que supone el sfumato como «sin líneas ni bordes, a modo de humo», difumina los contornos, funde las sombras y genera una apariencia de objetos poco definidos, casi borrosos.

Hacia 1506, la Gioconda de Leonardo y la Gioconda del Prado pintada por un discípulo toman caminos diferentes. Esta última fue terminada y se entregó al cliente, en cambio la original fue conservada por Leonardo hasta su muerte, como si fuera su laboratorio. Experimentó en ella, incorporó las nuevas formas de graduar las sombras, a veces con sus dedos, dicho sfumato, hasta que sufrió una parálisis en 1517.

Se ha escrito mucho acerca del origen de la sonrisa. ¿mujer en esperanza de bebé?, ¿alegre por la música que escucha? (Vasari)

Vasari, que también era un pintor destacado, se refirió así en 1550 a la célebre pintura de Leonardo: «Todo aquel que quisiera ver en qué medida puede el arte imitar a la Naturaleza lo podría comprender en su cabeza [de La Gioconda], porque en ella se habían representado todos los detalles que se pueden pintar con sutileza. Los ojos tenían ese brillo y ese lustre que se pueden ver en los reales, y a su alrededor había esos rosáceos lívidos y los pelos que no se pueden realizar sin una gran sutileza. […]. La nariz, con todas esas aperturas rosáceas y tiernas, parecía de verdad. La boca, con toda la extensión de su hendidura unida por el rojo de los labios y lo encarnado del rostro, no parecía color sino carne real. En la fontanela de la garganta, si se miraba con atención, se veía latir el pulso. Y en verdad se puede decir que fue pintada de una forma que hace estremecerse y atemoriza a cualquier artista valioso».

 Vasari escribió que “se consideraba una obra maravillosa por no ser distinta a la realidad». Y ahora, en abril de 2023 se precisa mejor la realidad del fondo del cuadro.

Una investigación coordinada por el historiador Silvano Vinceti ha determinado que el puente que aparece dibujado en un ángulo del cuadro corresponde a un punto geográfico real que podría ser el Romito o Puente del Valle, ubicado en la localidad de Laterina, en la provincia de Arezzo (Italia). También el análisis de las imágenes captadas por los drones permitieron confirmar que las formaciones rocosas o peñascos en forma de pirámide que están pintadas en el cuadro pertenecen a la zona alta del valle del río Arno, a 15 kilómetros del puente de Laterina. Estas formaciones rocosas también están presentes en el Código Hammer (o Código Leicester), el famoso manuscrito de Leonardo datado entre 1506 y 1510.

Con este estudio se derriban anteriores teorías que emplazaban el puente en Buriano  o en Bobbio,  porque estos no tienen el número de arcos o vanos de la pintura y  además ambos puentes se encuentran en zonas de llanura, a diferencia de lo que pintó Leonardo. El problema de haber encontrado antes el puente es que fue destruido por una inundación de 1700, y sólo queda un arco

Sabemos que entre 1501 y 1503, Leonardo estuvo en esa zona de la Val d’Arno, al servicio de ‘el Valentino’, César Borgia, padre de Alejandro Borgia y luego del ‘gonfaloniere’ de Florencia, Pier Soderini, para quien hizo trabajos de ingeniería hidráulica, relevación del territorio y de rectificación del curso del río. Es certificada la presencia en esa zona de Leonardo, y dicho puente era muy frecuentado y muy funcional porque representaba un atajo.

A lo largo de los siglos, los distintos autores han propuesto múltiples identidades para la mujer retratada por Da Vinci. La más extendida es que fuera encargo de Francesco del Giocondo el retrato de Lisa Gherardini, su mujer, que pudo encargar el cuadro con motivo del traslado de la familia a su nueva vivienda, o bien tras el alumbramiento de su segundo hijo, en 1502. Franceso era un próspero comerciante de sedas, muy amigo del padre de Leonardo. En 2005 se dieron a conocer unas notas del florentino Agostino Vespucci en el margen de una obra de Cicerón conservada en la biblioteca de la Universidad de Heidelberg, fechadas en octubre de 1503. Además de criticar a Leonardo por dejar las obras sin terminar, Vespucci indicaba que el pintor se encontraba en esa fecha realizando un retrato «del busto de Lisa del Giocondo».

 Sin embargo, el artista Vasari difícilmente podía haber visto la obra actualmente expuesta en el Louvre, puesto que Leonardo se la llevó consigo a Francia en 1516, cuando Vasari tenía cinco años. De tal manera que, para algunos investigadores, la obra que describe Vasari en 1550 sería la denominada Mona Lisa de Isleworth o Mona Lisa temprana, una pintura de dimensiones algo mayores que la del Louvre y pintada sobre lienzo; actualmente se encuentra en manos de un consorcio privado constituido bajo el nombre de Mona Lisa Foundation y con sede en Zúrich. Ésta sería, por tanto, la «auténtica» Gioconda, mientras que la conservada en el Museo del Louvre sería una obra posterior. Esa mujer (Mona Lisa de Isleworth, todavía no totalmente adscrita a Leonardo), con el paisaje inacabado detrás, mujer más joven que la de los cuadros de París y Madrid, sería Lisa del Giocondo, cuyo  marido era mercader de textiles y seda Francesco del Giocondo, uno de los más ricos e influyentes de Florencia; mientras que para la  pintura famosa del Louvre se barajan múltiples identidades ( según Jesús F. Pascual Molina, National Geografic  23 de marzo de 2023). Estas dos obras distintas pintadas por Leonardo corresponderían a lo reflejado en sus escritos por el teórico Giovanni Paolo Lomazzo,  que en un libro dedicado a las artes publicada en 1584, habla de dos obras diferentes, identificadas como La Gioconda y Mona Lisa, respectivamente.

 Rafael Sanzio parece inspirarse  en el enmarcamiento arquitectónico, y la pose de la Mona Lisa de Isleworth para hacer un dibujo.

Con la existencia de estas dos pinturas podría entenderse lo que ocurrió en 1517, cuando el cardenal Luis de Aragón y su secretario, Antonio de Beatis, pudieron observar el cuadro en la residencia francesa de Leonardo, junto al castillo real de Amboise. Allí, según De Beatis, el propio pintor les indicó que se trataba del retrato «de una cierta dama florentina», encargado por Juliano de Médicis, por lo que la representada y famosísima pintura del Louvre podría ser una de sus amantes y se ha buscado a una noble, de origen aristocrático como Constanza d’Avalos, Isabel de Este, Caterina Sforza, entre otras.

Algunos estudiosos han llegado a colocar como modelo de la “Gioconda” a la madre del artista o a un hombre travestido (utilizando a su discípulo Salai o tal vez él mismo).

También se ha especulado sobre el secreto que guarda la mirada de la modelo. Silvano Vicenti aseguró en un estudio que en el ojo derecho de La Gioconda aparecen las letras LV, que podrían ser las iniciales de Leonardo Da Vinci, y en el izquierdo las letras CE o CB. Además, el experto añadió que en el arco de uno de los ojos puede verse lo que parece ser el número 72 o la letra L mayúscula y un dos.

También se ha descubierto estos últimos años que la pintura oculta un dibujo previo a carbón con algunas variaciones sobre lo observado por el espectador

La investigadora y escritora Dolores García documenta que el ropaje que viste “La Gioconda” en el famoso cuadro de Leonardo da Vinci procedía del gremio de seda valenciano y sus tintes eran españoles, importados de América. Solo se podían permitir comprarlo las familias más ricas y la nobleza europea.  Esa seda está teñida de los colores negro, berenjena y amarillo, propios de un tinte especial proporcionado por una planta que España había importado tras el descubrimiento de América. Con ello no había de necesidad de añadir ninguna joya, pues ya era significativa su ropa.

Flanqueado a ambos lados por cuerpos de agua que fluyen y con el vestido verde algas, la dama está sentada  en la conocida popularmente como silla pozzetto.

Leonardo da Vinci pasó los tres últimos años de su vida en el castillo de Clos Lucé muy cerca de la residencia real de Amboise. Cuando entró al servicio de Francisco I de Francia llevó con él el retrato de la Gioconda, que fue adquirido por el monarca francés en 1518, pasando a formar parte de las colecciones reales francesas, hasta pasar a su actual ubicación en el Louvre de París. Ahí se puede observar el óleo sobre tabla de madera de álamo, de 77 por 53 centímetros de mano de Leonardo da Vinci,  rodeado como siempre  por una multitud de turistas.

 

IMPRESIONANTE HALLAZGO DE LOS TARTESSOS  EN GUAREÑA (Casas de Turuyuela, Badajoz)

La pintura española de The Frick Collection, considerada una de las mejores colecciones de arte del mundo, podrá verse en el Museo del Prado (Sala 16 A. Villanueva) durante la primavera, del 7 de marzo al 2 de julio. Un conjunto compuesto por nueve obras emblemáticas de Velázquez, el Greco, Murillo y Goya que ahora podrán verse en España gracias al apoyo de la Comunidad de Madrid.

La mayor parte de los cuadros expuestos en esta muestra fueron adquiridos por el industrial, filántropo y fundador del museo, Henry Clay Frick (1849-1919). Su colección es considerada en la actualidad como uno de los mayores tesoros culturales de Nueva York.

La mansión Frick, que de manera habitual alberga estas obras, actualmente se encuentra en proceso de renovación arquitectónica por lo que ahora el museo presenta su colección en el Frick Madison. Esta situación ha favorecido al acuerdo especial de préstamo temporal de obras al Museo Nacional del Prado, que, a excepción de dos pinturas, ninguna se había vuelto a ver en España desde su salida del país.

–MUSEO THYSSEN- BORNEMISZA DE MADRID.

La exposición En el ojo del huracán. Vanguardia en Ucrania, 1900-1930 ( hasta el 30 de abril de 2023) presenta una completa visión del arte ucraniano de vanguardia en las primeras décadas del siglo XX, mostrando las diferentes tendencias artísticas, desde el arte figurativo hasta el futurismo o el constructivismo. El desarrollo de la vanguardia en Ucrania tuvo lugar en un complejo contexto sociopolítico en el que colapsaron imperios, estalló la primera guerra mundial y las revoluciones de 1917, a las que siguió la guerra de independencia de Ucrania (1917-1921) y la posterior creación de la Ucrania soviética. La despiadada represión estalinista contra la intelectualidad ucraniana llevó a la ejecución de docenas de escritores, directores de teatro y artistas, mientras que el ‘Holodomor’, la hambruna provocada por el hombre en 1932 y 1933, mató a millones de ucranianos. A pesar de este trágico contexto histórico, el arte ucraniano vivió en esos años un verdadero renacimiento y un periodo de experimentación artística. En el ojo del huracán recupera este capítulo esencial pero poco conocido del arte de vanguardia occidental, reuniendo alrededor de 70 obras entre las que se encuentran pinturas, dibujos, collages o diseños teatrales.

La exposición se organiza cronológicamente, incluyendo la obra de los principales maestros de la vanguardia ucraniana, tales como Oleksandr Bohomazov, Vasyl Yermilov, Viktor Palmov y Anatol Petrytskyi. También se muestra todo el amplio abanico de estilos e identidades que van desde las pinturas neobizantinas de los seguidores de Mykhailo Boichuk o las obras experimentales de los miembros de la Kultur Lige, que buscaban promover su visión del arte contemporáneo ucraniano y yiddish, respectivamente, a las piezas de Kazymyr Malevych y El Lissitzky, artistas por excelencia de la vanguardia internacional que trabajaron en Ucrania y dejaron una huella significativa en el desarrollo de la escena artística nacional. Del mismo modo, se presentan ejemplos de figuras de renombre internacional que nacieron y comenzaron sus carreras en Ucrania, como Alexandra Exter, Wladimir Baranoff-Rossiné y Sonia Delaunay.

También en el Museo Tyssen  del 14 de febrero al 8 de junio de 2023 La exposición sobre Lucian Freud 

Con motivo del centenario del nacimiento del pintor británico Lucian Freud (1922-2011), el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la National Gallery de Londres presentan una exposición retrospectiva que reúne más de medio centenar de obras.

Freud, uno de los pintores figurativos más excepcionales de la modernidad, nació en Berlín, y en 1933, al llegar el nazismo al poder, emigró junto a su familia a Londres. En su juventud, el ambiente familiar le proporcionó una considerable y variada cultura: su padre era un arquitecto de renombre, su madre estudió historia del arte y su abuelo fue Sigmund Freud, el célebre creador del psicoanálisis. En su edad madura, el artista llegó a convertirse en una leyenda, debido a su trepidante vida personal, que se desarrolló tanto en ambientes aristocráticos como en los bajos fondos.

EXPOSICIONES ANTERIORES:

Museo Nacional del Prado. Madrid

OTRO RENACIMIENTO. ARTISTAS ESPAÑOLES EN NÁPOLES A COMIENZOS DEL CINQUECENTO

Desde el  18/10/2022 al 29/01/2023

Organizada con el Museo e Real Bosco di Capodimonte de Nápoles, el Museo Nacional del Prado, con el patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA, en las salas A y B del edificio Jerónimos, un recorrido por uno de los capítulos más fecundos y desconocidos de la cultura del Renacimiento europeo: la de España y de la Italia meridional hacia “la maniera moderna”, el gran arte basado en la revolución llevada a cabo por Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.

Esta exposición está compuesta por 75 obras (44 pinturas, 25 esculturas, 5 libros y 1 retablo)

EL MARQUÉS DE SANTILLANA. IMÁGENES Y LETRAS. MUSEO NACIONAL DEL PRADO. 04/10/2022 – al 08/01/2023

El Museo Nacional del Prado, con la colaboración de la Biblioteca Nacional de España y el apoyo de la Comunidad de Madrid, presentan El marqués de Santillana. Imágenes y letras, una exposición que ayudará a entender y conocer mejor a esta atractiva personalidad del siglo XV castellano.

Íñigo López de Mendoza, el marqués de Santillana (1398-1458), noble culto y poderoso, se distinguió tanto por cultivar las letras – fue un destacado poeta e historiador de la literatura que reunió una excepcional biblioteca- como por una activa labor de promoción artística.

Junto al Retablo de los Gozos de santa María, obra maestra de Jorge Inglés depositada en el Museo en 2011 por Íñigo de Arteaga y Martín, XIX Duque del Infantado, se reúnen de manera excepcional, ya que se encuentran en colecciones particulares, otras cuatro obras de este mismo autor, que confirman el protagonismo del marqués en la asimilación de nuevas fórmulas pictóricas de inspiración flamenca en Castilla, como son el San Jorge y el dragón de la Leiden Collection de Nueva York y tres tablas que formaron parte del retablo de la Virgen en Villasandino (Burgos).

Los 15 manuscritos suntuosamente iluminados que incluye la exposición, procedentes en su mayoría de la Biblioteca Nacional, son destacados ejemplares del libro de lujo del siglo XV y sirven para poner de manifiesto los innovadores gustos estéticos de Íñigo López de Mendoza, que van desde la aceptación de las propuestas del realismo flamenco hasta las renovadoras decoraciones desarrolladas en la Italia del Renacimiento. Junto a ellos, se exhiben también un relieve con la efigie de Alfonso V El Magnánimo​ y dos medallas de Pisanello.

ZÓBEL. EL FUTURO DEL PASADO .Museo Nacional del Prado. Madrid 15/11/2022 – 05/03/2023

42 pinturas, 51 cuadernos de apuntes y 85 dibujos y obra sobre papel, procedentes de colecciones españolas, filipinas y norteamericanas, conforman su recorrido.

 

LA ESENCIA DE UN CUADRO. UNA EXPOSICIÓN OLFATIVA. Temporalización: del  04/04/2022 al 03/07/2022- EN EL MUSEO DEL PRADO

 INCREIBLE NOVEDAD : SE PUEDEN OLER LOS ELEMENTOS A LA VEZ QUE SE VE EL CUADRO.En la sala 83 del edificio Villanueva, El Olfato, obra de Jan Brueghel el Viejo y Rubens, protagoniza “La esencia de un cuadro. Una exposición olfativa”, comisariada por Alejandro Vergara, Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, y Gregorio Sola, Perfumista senior de Puig y Académico de la Academia del Perfume, quien ha creado 10 fragancias relacionadas con elementos presentes en la pintura.

En esta obra, que evoca el jardín de árboles y plantas singulares que Isabel Clara Eugenia y su marido tenían en Bruselas a principios del siglo XVII, se representan más de 80 especies de plantas y flores, algunos animales

FRANCISCO PRADILLA (1848-1921), ESPLENDOR Y OCASO DE LA PINTURA DE HISTORIA EN ESPAÑA

Museo Nacional del Prado. Madrid Temporalización: del 21/03/2022 al 23/10/2022

La sala 60 del edificio Villanueva reunirá una selección de ocho obras de Francisco Pradilla conservadas en el Museo. Junto al gran cuadro Doña Juana la Loca y su boceto, expuestos en la sala 75, estas obras permitirán al visitante hacer un recorrido por su trayectoria como pintor de historia, la dedicación que le dio su mayor fama. Se celebra así también el centenario del fallecimiento de este artista, que fue Director del Museo del Prado.

Francisco Pradilla: Doña Juana la Loca. Museo del Prado.

ANNIBALE CARRACCI. LOS FRESCOS DE LA CAPILLA HERRERA . MUSEO DEL PRADO. Temporalización: del 08/03/2022 al 12/06/2022

Por primera vez desde 1833,  se expone un conjunto de pintura mural de excepcional importancia y que puede considerarse el gran desconocido del catálogo de Annibale Carracci: los frescos.

– LA EXPOSICIÓN HIPERREAL. EL ARTE DEL TRAMPANTOJO . MUSEO THYSSEN- BORNEMISZA DE MADRID.Del 16 de marzo al 22 de mayo de 2022

Se propone una revisión del género a través de un conjunto de obras de alta calidad que pone en evidencia los temas más representativos de la pintura de caballete. El arco cronológico abarca desde el siglo XV hasta el XXI, pero las obras se presentan ordenadas por materias y escenarios, independientemente de su fecha de ejecución, para poder así resaltar la continuidad del género, que se prolonga hasta nuestros días.

La exposición se organiza en los siguientes apartados: Puesta en escena, dedicado al bodegón; Figuras, encuadres y límites, sobre el engaño a través del marco pintado; Huecos para curiosos, representaciones de hornacinas, vanos o armarios con objetos que engañan al ojo del espectador; Muros fingidos: tablones y paredes, convertidos en escenarios para exhibir objetos que muestran la pericia del artista; Desorden perfecto, dedicado a los rincones de artista y a los quodlibet, subgéneros del trampantojo; Llamada a los sentidos, con composiciones cuyo tema principal son las esculturas y las flores; Renovación americana y su estela, dedicado a los renovadores del género en Estados Unidos y a su influencia, y Trampantojo moderno, con piezas que destacan por mostrar la habilidad y la imaginación de sus autores para sorprender, con especial atención a los siglos XX y XXI.

 

EXPOSICIÓN EN LA FUNDACIÓN MAPFRE. Calle Recoletos 23. Madrid.

EL GUSTO FRANCÉS. Hasta el 8 de mayo de 2022

Un proyecto transversal como es «El gusto francés», que abarca un período histórico tan extenso, no puede ser comprendido sin su contexto histórico. En este sentido, la muestra aborda también aspectos que hacen visible dicha evolución, como las relaciones diplomáticas, la historia del coleccionismo o la construcción de las identidades nacionales.

A través de numerosas pinturas (45), dibujos (16), esculturas (8), piezas de artes suntuarias y decorativas (31) y objetos de uso cotidiano, la exposición pretende adentrarse en la evolución del gusto francés en nuestro país, hasta el momento solo estudiado de forma puntual.

LA EXPOSICIÓN PICASSO: ROSTROS Y FIGURAS. Real Academia de Bellas Artes de S. Fernando

Obras de la Fondation Beyeler y de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha sido concebida y organizada por la Academia y la Fondation Beyeler, con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid. Reúne cincuenta y ocho pinturas, esculturas, dibujos y estampas de Picasso procedentes de ambas colecciones.

 

KLIMT. La experiencia inmersiva.

Afín al romanticismo, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Gracias a esta experiencia para todos los públicos, el espectador podrá sumergirse en la vibrante Viena del cambio de siglo para vivir en primera persona la evolución de la obra de Klimt y de su mundo. MAD es un espacio creativo que experimenta a partir de proyecciones audiovisuales, realidad aumentada, virtual y holografía para crear una nueva relación entre el arte y la sociedad. Es el segundo más grande de Europa de estas características.

¿Dónde? MAD (Madrid Artes Digitales), Centro de Experiencias Inmersivas. Plaza deLegazpi, 8. Estreno: 04/03. Horario: De L a D, de 10:00 a 20:30 h. Precio: Desde 14,90 €.

 

WOMAN, UN SIGLO DE CAMBIO

Exposición fotográfica producida por National Geographic que muestra el papel de las mujeres durante más de un siglo de cambio (Espacio COAM. 5 mar a 10 abr).

EXPOSICIONES Y APERTURAS ANTERIORES:

 

EXPOSICIÓN   SOBRE MURILLO y otros pintores ( El hijo pródigo en Murillo y  el arte de narrar en el  barroco) EN EL MUSEO DEL PRADO DEL 21 DE SEPTIEMBRE DE 2021 AL 23 DE ENERO DE 2022

      La exposición integra obras producidas en el siglo XVII por algunos de los principales protagonistas del barroco pictórico andaluz –Bartolomé Esteban Murillo, Antonio del Castillo, Juan Valdés Leal y Alonso Cano– y permite al espectador adentrarse en las costumbres, los códigos de la época, las aspiraciones de los autores y su cultura material.

Para llevar a cabo esta exposición, el Prado ha contado con la colaboración de la National Gallery de Dublín, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el Museo de Bellas Artes de Asturias, el Museo de Bellas Artes de Sevilla y la Biblioteca Nacional del España

Museo del Prado.

EXPOSICIÓN Arte y mito. Los dioses del Prado 

Arte y mito. Los dioses del Prado es una exposición inédita organizada por el Museo Nacional del Prado y la Fundación ”la Caixa” que ofrece una amplia mirada sobre la mitología clásica y su representación a través de pinturas, esculturas y objetos fechados entre los años centrales del siglo I a. C. y mediados del siglo XIX.

Se trata de una propuesta diacrónica, articulada en ocho secciones de carácter temático, que ofrece simultáneamente diferentes representaciones de dioses o distintas interpretaciones de un episodio mitológico para apreciar la riqueza iconográfica, geográfica y cronológica de las colecciones del Museo del Prado a través de 43 obras de autores esenciales    Calendario: 23/03/2021 – 25/07/2021

Marinus: Pintor de Reymerswale, que permanecerá en la sala D del edificio Jerónimos desde el 9 de marzo hasta el 13 de junio con el patrocinio de Mitsubishi Corporation y de la Fundación Amigos del Museo del Prado, es la primera exposición monográfica dedicada a este artista neerlandés que trabajó durante la primera mitad del siglo XVI. Aunque muchos de sus cuadros son muy populares hoy en día través de manuales y textos financieros -el historiador económico flamenco Raymond de Roover (1904-1972) fue uno de los primeros en asociar a los cambistas con la profesión de banquero en el siglo XVI y en ilustrarlo en sus libros

-MUSEO THYSSEN- BORNEMISZA DE MADRID.

 

19 febrero al 26 mayo 2021 Exposición de Balthus

 

EXPOSICIÓN DE MONDRIAN y de STIJL EN EL MUSEO REINA SOFIA DE MADRID, DESDE  el 11 DE NOVIEMBRE hasta el  1  DE MARZO DE 2021

A principios del siglo pasado, los Países Bajos fueron la cuna de un estilo artístico completamente nuevo, un arte abstracto basado estrictamente en las relaciones entre formas rectangulares, planos de color y líneas rectas. En octubre de 1917, durante la Primera Guerra Mundial, un grupo de jóvenes artistas holandeses —cuyo país se mantuvo neutral en la contienda— unió sus fuerzas para crear una revista. Bautizada como De Stijl, la publicación presentaba y promocionaba este estilo artístico novedoso e innovador, capaz de derribar las fronteras entre disciplinas, de manera que la pintura se convirtió en arquitectura, las artes aplicadas en escultura y el diseño adquirió rango de arte. Artistas de todo el mundo adoptaron este enfoque multidisciplinar y desarrollaron un intenso trabajo conjunto. Se trataba de un proyecto refrescantemente moderno: sus participantes se comunicaban a través de la revista y mediante cartas, al igual que los artistas actuales se comunican entre ellos empleando los medios de comunicación modernos.

Piet Mondrian fue el padre fundador de este arte nuevo. Perteneciente a una generación anterior a la de la mayoría de integrantes del nuevo movimiento, comenzó su carrera en 1892 como pintor de paisajes holandeses, un género clásico que durante casi veinte años le permitió adquirir una increíble pericia pictórica. A partir de 1905, sin embargo, concluyó que la belleza —el objetivo último de todo pintor— no reside en el sujeto o en la función representacional de una pintura, sino en el modo en que las formas y los colores producen una plasticidad pictórica perfectamente capaz de apelar directamente al ojo del espectador. Durante un tiempo, Mondrian asumió que la fuente de la belleza se escondía dentro del cuadro, lo que lo condujo, en un inicio, a emprender algunas incursiones erráticas en el terreno de la teosofía. Hacia 1914, sin embargo, sus experimentos le llevaron a concluir que la belleza reside en la superficie, en la estructura y la composición del color y las líneas. Mondrian invertiría otros tres años en averiguar el funcionamiento exacto de este esquema, pero en 1918 dio vida a una nueva forma de arte abstracto. La plasticidad del nuevo estilo demostraba que la pintura podía liberarse del marco y otras influencias e, incluso, determinar el propio entorno en que es presentada. Las artes visuales del siglo xx quedaban así redefinidas con el nacimiento de una nueva forma de arte abstracto geométrico que conquistó el mundo y configuró la modernidad.

Para más detalles pulsa aquí

HASTA EL 27 DE SEPTIEMBRE DE 2021EN EL REINA SOFÍA:

Trilogía marroquí 1950-2020 articula un diálogo visual que refleja la producción artística en tres momentos históricos, desde la independencia hasta el presente, a través de una selección significativa de piezas que muestran la diversidad de iniciativas, la vitalidad de los debates artísticos y los intercambios interdisciplinares en Marruecos.

 

MUSEO DEL PRADO

Acoge varias visitas: Reencuentro, Invitadas, El Greco en Illescas, La última comunión de S. José de Calasanz

Reencuentro. Desde  el 6 de agosto  2020 al 2 de febrero de 2021

Quien acuda al Museo del Prado hasta el 28 de febrero no podrá recorrer todas sus salas, pero las que visite le procurarán una experiencia única. Para ello se ha concebido un espectacular montaje en la Galería Central y salas adyacentes, un espacio emblemático que, por sus características arquitectónicas, garantiza el cumplimiento de las recomendaciones de las autoridades sanitarias y procura un modelo de visita seguro para el público y los empleados.

El montaje, compuesto por 249 obras, sigue una ordenación preferentemente cronológica, desde el siglo XV a los albores del siglo XX, pero dada su excepcionalidad, diluye la tradicional distribución por escuelas nacionales y plantea diálogos entre autores y pinturas separados por la geografía y el tiempo; asociaciones que nos hablan de influencias, admiraciones y rivalidades y señalan el carácter profundamente autorreferencial de las colecciones del Museo del Prado.

Para más información, que incluye una explicación por parte de la dirección, interactivo… pulsar aquí

Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931) Desde 6.10.2020 al 14.03.2021

La primera exposición que organiza el Museo Nacional del Prado tras su reapertura, “Invitadas”, tiene como objetivo ofrecer una reflexión sobre el modo en el que los poderes establecidos defendieron y propagaron el papel de la mujer en la sociedad a través de las artes visuales. Más información pulsar aquí

El Greco en Illescas

Unas obras de acondicionamiento han permitido que el Museo Nacional del Prado se convierta en anfitrión de las cinco pinturas del Greco que se conservan en el Santuario de Nuestra Señora de la Caridad de Illescas (Toledo). Para más información pulsar aquí  

La última comunión de S. Jose de Calasanz pintada por Goya y prestada por una año al Museo del Prado. Para más información pulsar aquí.

-MUSEO THYSSEN- BORNEMISZA DE MADRID

GEORGIA  O`KEEFFE(1887-1986) Hasta el 8 de agosto de 2021….90 obras

Georgia O’Keeffe fue una artista estadounidense, conocida especialmente por sus pinturas de flores, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México. O’Keeffe ha sido reconocida como la «madre del modernismo estadounidense   ´Wikipedia»

Expresionismo alemán. Exposición temporal. Del 27 de octubre de 2020 al 14 de marzo de 2021

Cuando en mayo de 1961 el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza adquirió una acuarela de Emil Nolde iniciaba un cambio de rumbo en el coleccionismo de la saga Thyssen. Si durante el periodo de entreguerras su padre, Heinrich Thyssen, había reunido una extraordinaria colección de maestros antiguos, entre los años setenta y noventa del pasado siglo él desarrolló una intensa actividad coleccionista de los principales movimientos artísticos del siglo XX, entre los que el expresionismo ocuparía un lugar primordial. Para más información pulsar aquí

HALLAZGO DE FIGURA IBÉRICA EN CÓRDOBA. Noviembre de 2020

En un finca con olivares se ha encontrado esta magnifica pieza, que está siendo estudiada. Puede contener 2500 años de antigüedad.

 

-EXPOSICIÓN EN EL MUSEO DEL PRADO , 2 PINTORAS EXCEPCIONALES : SOFONISBA ANGUISSOLA  y LAVINIA FONTANA .Terminada por coronavirus en el 2020.

En el marco de la celebración de su Bicentenario, el Museo del Prado presenta “Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana. Historia de dos pintoras”, una exposición que reúne por primera vez los trabajos fundamentales de dos de las mujeres más notables de la historia del Arte de la segunda mitad del siglo XVI,  a través de un total de sesenta y cinco óleos.

Sobre esta exposición pulsar aquí

-PINTURA FLAMENCA PURA: LOS BRUEGHEL

La exposición de pinturas » BRUEGHEL | Maravillas del arte flamenco» en el Palacio Gaviria de Madrid sirvió para adentrarse en lo que significó la familia Brueghel durante 150 años. Estuvo abierta entre 7 OCT 2019 y el comienzo del coronavirus.

La pintura flamenca había introducido el Renacimiento con un sistema de representación que buscaba   un espacio,  una profundidad verosímil, con la presencia de la humanidad, pero siempre desde la óptica de los empírico, de puntos de vista elevados y del detalle y precisión únicos que la diferenciaban del Renacimiento italiano.  Hitos significativos habian sido por ejemplo los hermanos Van Eyck, Roger Van der Weyden y El Bosco.  Pedro Brueghel el Viejo (1525-1560) inicia la saga familiar, y aunque viaja a Italia en 1553 sus cuadros no exploran lo solemne, sino lo cotidiano, la alegría que observaba en la Flandes  bulliciosa (por entonces española) en un Renacimiento que estaba bastante avanzado. Sus descendientes están imbuidos en esa práctica pero ya con un estilo progresivamente barroco.  

-ESPACIO MIRÓ

Este artista español surrealista tiene una magnífica representación en la Fundación MAPFRE, en la calle Recoletos 23 de Madrid. Acoge 65 de sus obras, con posibilidad de explicación los martes.

-LOS ALBA AL DESCUBIERTO

La duquesa de Alba por Goya en el palacio. Fuente de la imagen: periódico el Mundo

El 19/09/2019 se ha abierto al público el Palacio de Liria en Madrid. El edificio de la familia Alba con gran trascendencia histórica y recientemente presencia mediática. Se puede admirar pinturas que han ido coleccionando durante siglos…Fra Angélico, Tiziano,  El Greco, Velázquez, Goya están presentes. pero también cartas de Cristóbal Colón,  acta matrimonial de Juana la Loca, testamento de Fernando el Católico.  ¿Qué más se puede pedir para una visita? LLevar 12 o 14 euros para las entradas normales, ver posibles descuentos…

 

EVAU DE HISTORIA DEL ARTE

¡ATENCIÓN! Hay novedades PARA LA  EVAU DE 2024 de la Comunidad de Madrid 

Se tienen en cuenta  que…el Gobierno ha decidido retrasar un año la reforma de la selectividad -la Evaluación del Bachillerato para el Acceso a la Universidad (EBAU)-, por lo que mantiene el actual formato este curso y no habrá cambios en el examen de 2024.

      POR LO TANTO EL MODELO CONCRETO DE examen  que indica la Comisión Coordinadora para 2024 está en esta página:

https://www.urjc.es/images/EstudiarURJC/Admision_matricula/grado/pruebas_acceso/modelos_examenes/HISTORIA%20DEL%20ARTE.pdf

.También es acuerdo de la coordinación general no poner planos en las imágenes de arquitectura.En caso de modificaciones en el modelo de examen, se comunicará de inmediato a los
institutos.